Ilustrando el futuro que queremos

El trabajo de Dana muestra un futuro en el que todos podemos respirar libremente y disfrutar de los beneficios del aire limpio, haciendo uso de colores vibrantes para mostrar su esperanza y positivismo por un mundo sostenible, equitativo e inclusivo. Dana dijo: “Me gustaría ver una forma de vida diferente en la ciudad disfrutando de la misma virtud del aire limpio. Ciudades donde los niños corren al aire libre; donde todos dan la bienvenida a la brisa de la naturaleza; donde las personas entiendan cómo están correlacionadas y son responsables del futuro sostenible”. Con sede en Corea, el trabajo de Dana a menudo se inspira en la naturaleza, los objetos y las personas vivas. Actualmente está trabajando en varios proyectos en todo el mundo.

La pieza de Catherine 'The Weighing of the Heart' arroja cenizas de los devastadores incendios forestales australianos de 2020 en una escultura en forma de corazón. “El vaciado de las cenizas permitió la creación de esculturas permanentes y las saca de los procesos en sus paisajes, dando como resultado un arte que registra los efectos del cambio climático. “En esta imagen, las esculturas están hechas de materia en una catástrofe del mundo real, pero las ilustraciones surgen de mi imaginación y surgen de la esperanza de que podamos superar esto y reparar nuestra relación con el planeta”. Catherine Sarah Young utiliza su experiencia en biología molecular y colabora con científicos para producir obras de arte innovadoras, interdisciplinarias y experimentales que exploran nuestro mundo natural y nuestro entorno.

El artículo de Sylvia explora cómo las ciudades pueden interactuar con los residentes y pedirles que consideren formas más proactivas de volverse más verdes y resistentes. “Es mi carta de amor a las ciudades y un llamamiento a más naturaleza en nuestros barrios”.

El trabajo de Anpu explora nuestra profunda conexión con el agua, al tiempo que advierte sobre el futuro divisivo que podría enfrentar. Anpu dijo: “Esta pequeña obra es una oda al agua, la calma y la frescura que sentimos cuando nos encontramos con un cuerpo de agua. Nuestro deseo de sumergirnos, disfrutar, reponernos, vivir, prosperar y conectarnos con nuestros sentidos primordiales”. Anpu trabaja en monumentales murales de arte público en toda la India y el mundo, además de ser autora de dos libros autoeditados.

Las obras de Mathilde exponen y exploran el impacto de la crisis climática en los picos nevados de las montañas. Los arañazos en las montañas en su trabajo representan el daño a menudo irreversible causado a nuestro mundo natural. Mathilde dijo: “El temor de que estas llamadas nieves eternas desaparezcan poco a poco de los libros ilustrados refuerza en mí un sentimiento de urgencia. Aunque nunca los experimentamos en la vida real, la existencia de estos lugares representa un precioso campo de posibilidades e imaginación para cada uno de nosotros”. Sobre el artista: Nacida en Francia, Mathilde es una de las fundadoras del taller Le Houloc en Aubervilliers. Ha participado en exposiciones y programas por todo el país y su obra ha pasado a formar parte de las colecciones de la FMAC y del Fonds Estampe et Photographie de la BNF.

Cuando se le preguntó sobre su inspiración para la pieza, titulada 'En la palma de nuestras manos', Madjeen dijo: "Durante la pandemia, las comunidades de bajos ingresos y desatendidas experimentaron duras realidades del sistema de atención médica y reveses socioeconómicos debido a la pérdida de empleos y angustia por ser trabajadores esenciales durante el brote de Covid-19. 'En la palma de nuestras manos' se inspiró en los residentes de mi comunidad y en cómo se vería si se implementara la curación comunitaria a través de la jardinería y la vegetación colectivas. A medida que mi vecindario experimenta cambios que no son necesariamente inclusivos para los residentes de toda la vida, he estado explorando la idea del trabajo colectivo y la responsabilidad de la transformación social. Hay una importancia en entregarse y crear un trabajo en el que las personas como yo se sientan vistas y empoderadas para tomar una posición. Lo que deseo ver en el futuro es que los inmigrantes, los negros y los jóvenes tengan más acceso a espacios verdes dentro de sus vecindarios o simplemente que los creen. Estos espacios incluyen jardines en la azotea, inversión en lotes abandonados convertidos en jardines comunitarios y días reservados durante todo el año para el trabajo colectivo y consciente + talleres educativos para el barrio por el barrio”. . Sobre la artista: Madjeen Isaac, con sede en Brooklyn, Nueva York, ha arraigado su práctica en su identidad como estadounidense de primera generación, explorando la relación entre los espacios urbanos y tropicales que evocan sentimientos de familiaridad y nostalgia. Crecer en un barrio predominantemente de inmigrantes caribeños influye en el proceso de Isaac de conmemorar los recuerdos y las culturas que han dado forma a su crianza. Isaac recibió su BFA del Fashion Institute of Technology (2018) y actualmente está obteniendo su maestría en Art+Edu & Community Practice en la Universidad de Nueva York.

Cuando se le preguntó acerca de su inspiración para la pieza, Naomi dijo: “En el futuro que me gustaría, todos tendremos la compasión de ponernos continuamente en el lugar de los demás, y permitir que esto nos una en nuestras comunidades y como sociedades para reflexionar colectivamente, aprender, recuperar, reimaginar y, en última instancia, esforzarse por reconstruir una tierra que sea resistente e igualitaria para todos”. . Sobre la artista: Naomi Anderson-Subryan es una ilustradora y creadora con sede en Londres que trabaja en una variedad de medios, predominantemente collage y arcilla. Es una entusiasta del kitsch, amante del color y coleccionista de Bric-A-Brac. Su trabajo a menudo se inspira en los objetos con los que le gusta rodearse: el tipo de cosas que colocamos en un estante o repisa de la chimenea que nos hacen felices. A Naomi le gusta crear personajes y mundos que son vagamente familiares y, sin embargo, diferentes a cualquier otra cosa.

Cuando se le preguntó acerca de su inspiración para la pieza, Diana dijo: “La naturaleza ya nos da todo lo que necesitamos, debemos ser humildes y apreciar sus preciosos dones evitando el consumo innecesario y compartiendo con nuestras comunidades”. . Sobre la artista: Diana Ejaita es una ilustradora y diseñadora textil con sede en Berlín, pero también se desplaza entre Italia y Nigeria. Ha trabajado con diferentes revistas como el New York Times y New Yorker y está interesada en contar historias que ilumine la justicia social y ambiental.

Cuando se le preguntó sobre su inspiración para la pieza, Erick dijo: “En el futuro, me encantaría que los espacios interiores integraran más el mundo exterior. Brindar a las comunidades dentro de una estructura una forma de estar juntas consigo mismas, pero también con quienes las rodean”. Sobre el artista: Erick es un ilustrador independiente de Puerto Rico que actualmente reside en Vancouver, Canadá. Le gusta hacer imágenes sobre una amplia gama de temas con colores vivos y espacios a menudo surrealistas.

Cuando se le preguntó sobre su inspiración para la pieza, Danielle dijo: Durante la pandemia, muchos se dieron cuenta de la importancia de pasar tiempo al aire libre para mantenerse física y mentalmente bien. Espero que a medida que adoptemos lo que sea la nueva normalidad, no nos olvidemos de seguir apreciando nuestros espacios verdes. Sería maravilloso ver más áreas peatonales en las ciudades para permitir más espacios amigables para las personas, desplazamientos ecológicos y actividades al aire libre. . Sobre la artista: Danielle es una ilustradora/animadora/creadora independiente. Ella vive en Manchester y se interesa en notar visualmente las cosas a su alrededor. Ella gravita hacia la ilustración de diferentes personas y le apasiona representar la diversidad.

Cuando se le preguntó sobre su inspiración para la pieza, Hélène dijo: “La pandemia de Covid-19 ha revelado y exacerbado aún más las desigualdades socioeconómicas y políticas dentro de los países y ciudades. Si bien las comunidades BIPoC y LGBTQ+ luchan por la igualdad de derechos humanos, estos derechos también deben incluir: el derecho a aire y agua limpios, el derecho a vivir en hogares seguros y cómodos con fácil acceso a alimentos, salud, educación y recreación, el derecho a vegetación y belleza, el derecho a vivir en ciudades no segregadas que se esfuerzan por dar a todos sus ciudadanos la misma alta calidad de vida. El futuro que quiero está enraizado en el respeto de toda vida”. Hélène Baum es una ilustradora y diseñadora gráfica franco-alemana que vive en Berlín. Sus obras de arte se han utilizado en diversos contextos, desde piezas editoriales y libros para niños hasta publicidad. “No hay líneas en la naturaleza, solo áreas de color, una contra la otra” – esta cita de Manet evoca un principio que es fuerte en la vida y obra de Hélène. Viniendo de un trasfondo cultural diverso, lo que define su universo es un sentido de "collage" e "identidad caleidoscópica". Crea espacios vibrantes donde, a través del humor, la magia y el idealismo, elementos de diferentes culturas conviven en paz y se celebra la diversidad.

Cuando se le preguntó sobre su inspiración para la pieza, Mark dijo: “Mi idea para el futuro que inspiró esta obra de arte es que los negros se relajen en un entorno abierto y seguro después de la pandemia. Es un espacio donde las personas están en paz e interactúan entre sí. Se satisfacen todas sus necesidades, incluida la alimentación, la libertad económica y la seguridad”. . Sobre el artista: Mark Fleuridor es un artista haitiano-estadounidense radicado en Miami, Florida. Trabaja con medios como el collage digital, la pintura y el acolchado. Sus obras están inspiradas en su familia y en las personas que lo rodean.

Cuando se le preguntó sobre su inspiración para la pieza, Ngadi dijo: “El futuro que quiero es uno en el que cada persona considere a los demás. Debido a la naturaleza de esta pandemia, las personas han estado en polos opuestos drásticos cuando se trata de problemas de salud (y sociales). En mi futuro, todos usan máscaras y se preocupan unos por otros, independientemente de su origen o raza. Las personas conscientes del medio ambiente están felices de guiar a otros que no están tan inclinados, para impartir sus conocimientos sobre la preservación de la naturaleza y su importancia. Conectarse con otros y un sentido de comunidad es la divisa más importante”. . Sobre el artista: Ngadi Smart es un artista visual sierraleonés radicado entre Côte d'Ivoire y Londres. Trabaja en los medios de fotografía, ilustración y collage. Los temas de su trabajo ilustrativo fluctúan entre las dinámicas de poder femeninas y masculinas, el feminismo, la sexualidad femenina y, a menudo, también están inspirados en la moda y la cultura pop. Su objetivo es mostrar tantas representaciones de personas africanas y las complejidades de lo que significa ser africano como pueda.

Cuando se le preguntó sobre su inspiración para la pieza, Pathu dijo: “La pieza refleja mi comunidad, los hogares en los que viven y cómo podemos mejorar ese nivel de vida mientras sanamos la tierra. Creo que para que tengamos el futuro que queremos, debemos volver a la raíz y comenzar desde el principio. Quiero un futuro donde las personas tengan acceso a energías renovables, usando menos combustible y autos más ecológicos. Más alimentos cultivados localmente, donde los hogares tengan acceso a alimentos y agua. Quiero un futuro en el que invirtamos en los jóvenes sin importar su género o raza”. . Sobre el artista: Pathhutshedzo Nembilwi es un ilustrador y diseñador gráfico nacido y criado en Thohoyandou, Sudáfrica. Estudió diseño gráfico y trabaja como ilustradora freelance. Pathu quiere empoderar, inspirar y animar a las personas a través de su arte. Su obra refleja su entorno, experiencias y esperanzas.

Cuando se le preguntó sobre su inspiración para la pieza, Ngadi dijo: Múltiples estudios han encontrado que las mujeres superan a los hombres en prácticamente todos los tipos de comportamiento ambiental. El patriarcado afecta mucho al medio ambiente. Mi futuro es un entorno poblado por mujeres, donde las casas en los árboles son la norma, y ​​los cascos de flores y plantas futuristas proporcionan aire y nutrientes. Ngadi Smart es un artista visual sierraleonés radicado en Côte d'Ivoire. Trabaja en los medios de la fotografía y la ilustración. Los temas de su trabajo ilustrativo fluctúan entre las dinámicas de poder femeninas y masculinas, el feminismo, la sexualidad femenina y, a menudo, también están inspirados en la moda y la cultura pop. Su objetivo es mostrar tantas representaciones de personas africanas y las complejidades de lo que significa ser africano como pueda.

Cuando se le preguntó sobre su inspiración para la pieza, Reya dijo: En 2019, de repente nos despertamos con la certeza de que el cambio climático vendrá por nosotros, en todas partes del mundo. Aunque siempre hemos sido conscientes del calentamiento global, hubo muy poco esfuerzo colectivo que emprendimos. La conciencia más grande del mundo estaba dormida. Aunque yo mismo soy una persona bastante consciente, me sorprendió despertarme un buen día y leer las noticias sobre Calcuta (y otras ciudades importantes de la India) que pronto se quedarán sin agua. Había poca información política y administrativa sobre este repentino deterioro. Aunque el futuro parece sombrío, decidí imaginar un resultado más positivo. Uno en el que nuestro impulso por hacer que la ciudad sea habitable durante mucho, mucho tiempo nos hace inventar cosas nuevas, buscar cambios radicales y, en el proceso, intentarlo. ¿Podría cada hogar tener su propia lluvia diseñada? ¿Podríamos de alguna manera utilizar la energía de los residuos y producir agua? ¿Podrían nuestros pavimentos sin vida convertirse en nuevos lugares para sistemas de riego complejos? ¿Podrían nuestros taxis amarillos funcionar con energía limpia? Las posibilidades son infinitas. Reya Ahmed es una artista visual de Calcuta, India. Ha estado creando ilustraciones, instalaciones, revistas y trabajando en varios proyectos de arte independientes desde 2015. Su trabajo se centra en el feminismo, la arquitectura y un amor inquebrantable por los felinos. Calcuta, la ciudad en la que nació y vive, aparece con frecuencia en su obra.

Cuando se le preguntó sobre su inspiración para la pieza, Tess dijo: ¡Para 2050 (o 2030 si tenemos suerte), quiero que Londres sea más verde! Esto significa más plantas, árboles y espacios verdes. Además de esto, necesitamos que más personas vayan en bicicleta al trabajo o utilicen el transporte público para reducir su huella de carbono. Idealmente, todos los modos de transporte serían eléctricos o alimentados por otra fuente de energía renovable, por lo que no hay necesidad de combustibles fósiles. ¡Y oye, tal vez incluso podríamos tener autos voladores eléctricos! Tess Smith-Roberts es ilustradora y grabadora con sede en Londres. Ella aborda su trabajo con humor, formas audaces y un uso lúdico del color. La práctica de Tess tiene una base sólida en el grabado, centrándose en las técnicas de risografía y serigrafía. También le gusta hacer ilustraciones editoriales para una variedad de clientes internacionales.

Cuando se le preguntó acerca de su inspiración para la pieza, Serafine compartió una cita: "No quiero que se cultive a cada hombre ni a cada parte de un hombre, como tampoco quiero que se cultive cada acre de tierra: parte será labranza, pero la mayor parte será pradera y bosque, no solo sirviendo para un uso inmediato, sino preparando un molde para un futuro lejano” – Henry David Thoreau, 1851. 🌳 También agregó: El edificio que dibujé es la Casa del Congreso en Biel/Bienne (CH) . En este momento, frente a la Casa del Congreso hay una enorme plaza de concreto sin plantas. La ilustradora y diseñadora gráfica independiente Serafine Frey nació en 1986 cerca de los Alpes suizos en Berna. Sus ilustraciones vivas y dinámicas surgen de su actitud detallista y orientada a la investigación. Desarrolla conceptos contextuales e ilustraciones. La inspiración de Serafine proviene de la naturaleza, los absurdos cotidianos, la nostalgia, la poesía, el ser humano, el cine, la música, el surrealismo y el minimalismo. El “universo” ilustrativo es vasto y sus posibles aplicaciones son numerosas, abriéndole así constantemente nuevos retos, horizontes y oportunidades.

Cuando se le preguntó acerca de su inspiración para la pieza, María dijo: En un mundo en el que a veces podemos sentirnos desesperanzados, como si no hubiera lugar para nosotros o lugar para la amabilidad y el respeto, es importante recordar que nuestras decisiones son importantes. Que cada pequeño paso que damos para hacer de nuestro mundo inmediato un lugar mejor es importante. Tenemos que crear y trabajar activamente en y para el futuro que queremos. María Solias es una artista venezolana radicada en Bogotá, Colombia, que trabaja como escritora e ilustradora de libros infantiles. Habiendo crecido en América Latina, muy cerca de la diáspora latina, su interés por el concepto de hogar y pertenencia creció enormemente después de migrar. A lo largo de su vida, a María siempre le ha fascinado cómo se representa el mundo a través de los ojos de la nostalgia, la bondad y la ternura. Naturalmente, se sintió atraída por la ilustración y las imágenes de la vida cotidiana. El interés se cultivó durante su adolescencia y se desarrolló aún más cuando decidió irse de Venezuela poco después de obtener su título en arte. María profundizó aún más en su práctica pictórica, que ahora involucra pérdida, injusticia, desigualdad y pensamientos sobre el país que recuerda pero que ya no existe. María valora esta conexión con sus raíces y guarda con mucho cariño, con esperanza… la oportunidad de poder algún día volver a casa. Ella siente que la conversación entre sus antecedentes y su arte abre muchas oportunidades y conexiones con otras personas que han experimentado la diáspora o que desconocen lo tristemente común que es ser un migrante forzado.

Cuando se le preguntó sobre su inspiración para la pieza, Ojima dijo: Espero acciones que sean equitativas en su enfoque y que consideren la naturaleza interdependiente del medio ambiente global. Elegí centrarme en imaginar una Abuja más amigable para los peatones que esté comprometida con el desarrollo sostenible. Ojima Abalaka es un ilustrador que vive en Abuja, Nigeria. Le interesan las personas, la identidad y la cultura, así como las formas en que estos elementos interactúan entre sí. Su trabajo a menudo centra a las mujeres en su vida diaria y se sitúa en el descanso, buscando explorar el valor de lo ordinario y lo mundano.

Cuando se le preguntó acerca de su inspiración para la pieza, Mat dijo: Espero que algún día, muy pronto, la humanidad sea empujada tan lejos que nos veamos obligados a cambiar la forma en que hacemos las cosas. Que trataremos a la tierra con reverencia y dejaremos de permitir el nivel de polución y contaminación que permitimos. Que pensemos en nuestras generaciones futuras y asumamos nuestra responsabilidad en lugar de permitir que las fuerzas económicas prevalezcan sobre los principios humanitarios reales; muy simple, que amemos la tierra y amemos a los demás y entendamos verdaderamente que todos somos uno. Mat es una artista autodidacta que constantemente está explorando nuevas formas de expresar su creatividad, tales como: cerámica, novelas gráficas, trabajo mural y diseño textil. En los últimos años, su trabajo se ha desplazado hacia la espiritualidad, que juega un papel importante en su vida. Mat divide su tiempo entre Copenhague y Santiago de Chile.

Cuando se le preguntó acerca de su artículo, Martina dijo: A veces, todo lo que se necesita es un pequeño ajuste a su rutina o patrón y el cambio que está haciendo puede afectar su huella de carbono de manera masiva. Por ejemplo, usar el transporte público o la bicicleta o compartir un viaje en automóvil. ¡Las pequeñas cosas pueden tener un gran impacto! Martina es originaria de Eslovaquia donde estudió política, luego se mudó a Londres para estudiar diseño y ahora vive y trabaja en Berlín. Trabaja principalmente de forma digital y le gusta archivar sus imágenes con personajes larguiruchos ubicados en entornos planos y lidiando con actividades mundanas.

Cuando se le preguntó sobre su inspiración de la pieza, Hélène dijo: “Necesitamos cuidar nuestro planeta para asegurar su longevidad pero también para preservar sus tesoros infinitos. Necesitamos cuidar de nosotros los humanos para vivir vidas más saludables y ricas. Espero que las ciudades, junto con sus industrias y servicios, reconsideren, rediseñen sus formas de funcionamiento. El objetivo es no solo detener las emisiones tóxicas y detener el agotamiento de los recursos naturales, sino también retribuir al medio ambiente y las comunidades. Espero una revolución en las prácticas liderada por un cambio de mentalidad”. Hélène es una ilustradora francesa y alemana con sede en Berlín que ha vivido y trabajado en muchas ciudades desde su infancia, incluidas Múnich, Londres, Sète, Lyon y Ámsterdam. Fundamentalmente, el trabajo de Hélène trata sobre la identidad, abrazando el multiculturalismo y dando visibilidad a las personas de color. Sus ilustraciones se han utilizado principalmente en el mundo editorial y editorial con clientes como The Lily, Tate y Penguin Random House.

Cuando se le preguntó sobre su inspiración para la pieza, Lizzie dijo: ¡Me gustaría que mi futuro se viera SALVAJE! Espero que todos estén comprometidos con la naturaleza y que rodee nuestra vida cotidiana, por lo que beneficia a las comunidades, el empleo, las familias y la vida silvestre misma. La reconstrucción surge cada vez más cuando se analizan las formas en que podemos reducir las emisiones de carbono y preservar los ecosistemas. Mi pequeña escena representa una ciudad, compuesta predominantemente por personas y naturaleza que viven armoniosamente una al lado de la otra. Lizzie es una ilustradora que vive y trabaja en Londres, originaria del suroeste de Inglaterra, cerca de Stonehenge. Sus temas favoritos son la sostenibilidad, el medio ambiente y los animales.

Cuando se le preguntó acerca de su inspiración para la pieza, Kimi dijo: En el futuro quiero vivir más cerca de la naturaleza. Espero vivir con los pies en la tierra aunque viva en la ciudad. Suelo real, no concreto. Y creo que deberíamos comer alimentos locales y de temporada cultivados en ese suelo cerca de la ciudad en la que vivimos. En resumen, el futuro que quiero sigue las leyes de la naturaleza. Esto definitivamente ayudaría a la crisis climática. Kimi es el ilustrador del equipo 'KIMI AND 12' con sede en Corea del Sur, que trabaja bajo el lema "Vida basada en plantas". Kimi suele hacer pintura o colaboraciones con otros proyectos o hace libros ilustrados.

De Giulia: En el futuro quiero que haya tiempo y espacio para la observación, el estudio y la experimentación. La gente construye su propio estado natural, ayudando a inventarlo. Me gustaría subrayar la importancia de la divulgación científica, tomando como ejemplo las investigaciones de Stefano Mancuso y Barbara Mazzolai. Su proyecto partió de la consideración e investigación de las plantas como fuente de bioinspiración para nuevas estrategias de actuación y sondeo del suelo. ¿Estás listo para aprender de las plantas? Giulia Corascello nació en Cuneo en 1989. Estudió Arquitectura e Ilustración entre Italia, Portugal y España. Giulia vive actualmente en Roma, donde trabaja en el departamento educativo del Museo de los Niños.

Cuando se le preguntó sobre su inspiración para la pieza, dijo: Mi ciudad del futuro está llena de personas que se preocupan por el medio ambiente. Es una cultura, comida consciente, movimientos conscientes, humanos usando su inteligencia para el bien del planeta. El futuro que quiero es más verde, realmente espero que sea más verde. Sobre el artista: Trabajo a medianoche como los ratones de Cenicienta, casi siempre, cuando todos están durmiendo y algo surge en mi mente. Soy la reina de los días malos, pero algunos días tengo días bonitos, “nadie me quiere” pienso todo el tiempo, y suena en mi cabeza esta frase con la banda sonora de Cenicienta cuando sus hermanastras le destrozan el vestido. Tal vez sea algo, tal vez no sea nada. Creo que por casualidad registré un ovni o tal vez sea solo el reflejo de mi soledad en el cielo.

Cuando se le preguntó acerca de su inspiración para la pieza, Enzo dijo: Todos debemos comenzar a ver la Tierra como nuestra nave nodriza compartida que nos transporta a través del espacio y actuar en consecuencia volviéndose más autosuficientes y ajustando nuestras dietas a una dieta basada en plantas y sin carne. . (¡Y tal vez incluso con un insecto o dos como proteína!) Enzo Pérès-Labourdette es un ilustrador galardonado con sede en Ámsterdam. De padre francés, madre británica y criado en los Países Bajos, Enzo suele presentarse como europeo en lugar de una nacionalidad específica. Para investigar para su nuevo libro ilustrado sobre el cambio climático, Enzo se unió a un biólogo como asistente de campo en la isla ártica de Svalbard, donde fue testigo con sus propios ojos de la rapidez con que el cambio climático está alterando nuestro planeta.

Cuando se le preguntó acerca de su inspiración para la pieza, Egene dijo: Vi a un niño en un parque ventoso. Estaba jugando con un disco volador y una gran rama rota en las manos. Estaba realmente interesado en el 'juego de viento' y creó escenas inolvidablemente hermosas. Fue hace solo cinco años, pero ahora las escenas han cambiado en mi ciudad. Comienzo todos los días abriendo una aplicación para verificar la información de la calidad del aire. No podemos mantener nuestras vidas sin una máquina purificadora de aire. Los niños tienen casi prohibido estar al aire libre sin una máscara que filtra el polvo en invierno y primavera. Me di cuenta de que el aire fresco que sopla ha sido lo que más me gusta todo el tiempo con su pérdida. Me imagino una escena de niños y pájaros disfrutando juntos del viento limpio sin miedo. Esta alegría ordinaria ya se ha convertido en lo que quiero en el futuro donde vivo. Egene Koo es un pintor e ilustrador que vive en Seúl, Corea del Sur. Explora motivos visuales de animales, plantas y algunas historias antiguas de la infancia y las recrea en su estado mental actual. Básicamente ha sentido más curiosidad por el mundo interior, pero la contaminación del aire en su ciudad la hizo pensar más en el exterior. Participó en muchas exposiciones, ferias de arte y proyectos colaborativos. Es amante del viento y de las aves.

Cuando se le preguntó acerca de su inspiración para la pieza, Charlotte dijo: Quiero que las personas se permitan imaginar un futuro completamente diferente y que no piensen que los cambios drásticos son imposibles. Como hacer que la mayoría de las carreteras de Londres sean peatonales o solo para el transporte público, haciendo que el aire sea más limpio y más fácil para las personas moverse. También el mantenimiento de los parques públicos en lugar de ceder el suelo a nuevas obras. Cambios que son emocionantes y tienen el potencial de hacer que nuestras vidas sean más felices y saludables. Pero lo más importante, los cambios que son esenciales para mantener la vida en este planeta, no puedo pensar en una mayor esperanza que esa. Charlotte Ager es una ilustradora independiente con sede en Londres, originaria de la isla de Wight. Su trabajo a menudo explora la poesía en la experiencia cotidiana y trata de poner énfasis en los momentos más tranquilos. Se siente atraída por nuestra relación con la naturaleza: al crecer viviendo junto al mar, siempre le ha interesado su poder sobre nosotros, que a menudo se refleja en su trabajo.

Cuando se les preguntó sobre su inspiración para la pieza, Nuria y Raquel dijeron: En cuanto a la situación del mundo real, se requiere acción. Siéntate y piensa. Estar alerta. Sé consciente. Asume la responsabilidad. Eres una parte del cosmos. Tomemos un momento para tomar una respiración profunda llena de aire limpio y puro, conscientes de la naturaleza. Protege el planeta, protégete a ti mismo. Cachetejack son Nuria Bellver y Raquel Fanjul, un dúo de ilustradoras freelance españolas con un estilo de vida nómada. Su universo ilustrativo está lleno de color, energía, humor e ironía. El trabajo dibujado a mano de Cachetejack tiene un estilo fresco y único, trabajando en una variedad de medios, que incluyen, entre otros, libros, revistas, periódicos, ropa, dibujo, pintura, paredes e ilustración. Cachetejack combina la realidad con un punto de vista estrafalario para acercar situaciones y entornos al espectador.

Cuando se le preguntó sobre su inspiración para la pieza, Beau dijo: “Como alguien que siempre ha vivido en ciudades, los espacios verdes son importantes para mí. Siempre he sentido una sensación de comodidad y seguridad en los espacios verdes, especialmente viviendo en ciudades donde no están a la vuelta de la esquina. Aunque amo la vida de la ciudad, creo que es extremadamente importante para mi bienestar mental estar cerca de parques, jardines y vida natural. Planeo pasar muchos años más en Londres y mi esperanza es que mi ciudad ponga estas áreas como una prioridad para que niños, adolescentes, adultos y personas mayores puedan unirse como una comunidad en espacios verdes. #TheFutureWeWant está lleno de espacios verdes, bienvenidos a todos”. Normalmente puedes encontrar a Beau bordando cosas mágicas y contenido relacionado con el folclore o creando ilustraciones que exploran los temas de salud mental y queerness.

Cuando se le preguntó acerca de su inspiración para la pieza, Alyssa dijo: Donde resido actualmente, las bibliotecas son escasas o no son accesibles para la mayoría de la población. Considero las bibliotecas como santuarios donde las personas pueden prosperar y aprender. El futuro que quiero es uno en el que las bibliotecas públicas sean tan comunes como las tiendas de conveniencia; como pequeños oasis de conocimiento, repartidos por la mancha urbana. Ilustré una "biblioteca generosa" que nutre a las personas y, a su vez, es nutrida por las personas a las que ayuda. ¡También me gustaría emplear algunos gatos en estas bibliotecas para proteger los libros de las ratas! Babs es un ilustrador independiente de Manila, Filipinas, con sede en Quezon City. Tiene 4 gatos llamados Maz, Hana, Ponyo y Rocket.

O futuro é igualitário, precisamente ser. Porque, embora não pareça, quando alguém machuca o outro, machuca a si mesmo, e isso vale para a maneira como tratamos o meio ambiente e os ambientes que compartilhamos, casas, bairros, cidades… Todas as nossas ações refletem umas nas outras e consequentemente em nós. Então a igualdade nos equilibra. . Pois apesar de nossas diferenças, somos todos um, porque somos todos humanos. Igualdade em todos los aspectos, social, étnico, gênero y em tantos outros é necessária. Porque em igualdade entendemos que tudo nos afeta verdadeiramente e de modo igualitário pode existir uma real compreensão de tudo, para que assim possamos saber do que lutar e do que preservar. . Linoca Souza es Aline Bispo, ilustradora y artista visual, nacida y vive en la ciudad de São Paulo, en Brasil. Bacharela em Artes Visuais pelo Centro Universitário Belas Artes, também estudou Design de Interiores e Comunicação Visual. Seus primeiros trabalhos iniciaram em 2009 com Graffitis e intervenções pelas ruas de São Paulo, de 2012 pra cá, vem produzindo ilustrações e pinturas onde aponta questionamentos em relação à desigualdade étnica, de gênero e social, temas que desenvolve em oficinas e talleres.

Cuando se le preguntó acerca de su inspiración para la pieza, Charlot dijo: Siempre he vagado por las calles de Dublín imaginando cómo podría mejorarse, es una ciudad muy gris que realmente necesita más lugares verdes, y en los últimos años hemos Perdí muchos espacios de mercado, por lo que era importante para mí incluir eso en mi pieza. Charlot es un ilustrador mitad danés mitad zimbabuense que actualmente vive en Dublín, Irlanda. Se graduó con una licenciatura en Ilustración de la Universidad MDX, Londres, en 2015, y actualmente sigue una carrera profesional en su campo de estudio. En su trabajo, Charlot tiene como objetivo compartir la conciencia sobre temas que son importantes para ella, como la representación de personas de color y el medio ambiente. El enfoque principal de su trabajo son los cómics, la editorial y las portadas de libros.