Veranschaulichung der Zukunft, die wir wollen

Danas Arbeit zeigt eine Zukunft, in der wir alle frei atmen und die Vorteile sauberer Luft genießen können, indem sie mit leuchtenden Farben ihre Hoffnung und Positivität für eine nachhaltige, gerechte und integrative Welt zum Ausdruck bringt. Dana sagte: „Ich würde gerne eine andere Lebensform in der Stadt sehen, die die gleiche Tugend sauberer Luft genießt. Städte, in denen Kinder im Freien laufen; wo jeder die Brise der Natur willkommen heißt; wo die Menschen verstehen, wie sie miteinander verbunden und für die nachhaltige Zukunft verantwortlich sind.“ Danas Arbeit ist in Korea ansässig und lässt sich oft von der Natur, Objekten und lebenden Menschen inspirieren. Derzeit arbeitet sie an verschiedenen Projekten auf der ganzen Welt.

Catherines Stück „The Weighing of the Heart“ gießt Asche der verheerenden australischen Waldbrände von 2020 in eine herzförmige Skulptur. „Das Gießen der Asche ermöglichte die Schaffung dauerhafter Skulpturen und löste sie aus den Prozessen in ihren Landschaften, wodurch Kunst entstand, die die Auswirkungen des Klimawandels registriert.“ „In diesem Bild bestehen die Skulpturen aus Materie einer realen Katastrophe, aber die Illustrationen entspringen meiner Fantasie und entspringen der Hoffnung, dass wir darüber hinwegkommen und unsere Beziehung zum Planeten reparieren können.“ Catherine Sarah Young nutzt ihren Hintergrund in der Molekularbiologie und die Zusammenarbeit mit Wissenschaftlern, um innovative, interdisziplinäre und experimentelle Kunstwerke zu schaffen, die unsere natürliche Welt und Umwelt erforschen.

Sylvias Artikel untersucht, wie Städte mit ihren Bewohnern in Kontakt treten und sie auffordern können, proaktivere Wege in Betracht zu ziehen, um umweltfreundlicher und widerstandsfähiger zu werden. „Es ist mein Liebesbrief an die Städte und ein Aufruf für mehr Natur in unseren Stadtteilen.“

Anpus Arbeit erforscht unsere tiefe Verbindung zum Wasser und warnt gleichzeitig vor der spaltenden Zukunft, die ihm bevorsteht. Anpu sagte: „Diese kleine Arbeit ist eine Ode an das Wasser, die Ruhe und Frische, die wir empfinden, wenn wir einem Gewässer begegnen. Unser Wunsch, einzutauchen, zu genießen, neue Energie zu tanken, zu leben, zu gedeihen und uns mit unseren ursprünglichen Sinnen zu verbinden.“ Anpu arbeitet an monumentalen öffentlichen Wandgemälden in ganz Indien und auf der ganzen Welt und ist außerdem Autorin von zwei Büchern im Selbstverlag.

Mathildes Arbeiten enthüllen und erforschen die Auswirkungen der Klimakrise auf die schneebedeckten Berggipfel. Die Kratzer in den Bergen in ihrer Arbeit stellen den oft irreversiblen Schaden dar, der unserer natürlichen Welt zugefügt wird. Mathilde sagte: „Die Angst, dass dieser sogenannte ewige Schnee nach und nach aus den Bilderbüchern verschwinden wird, verstärkt in mir das Gefühl der Dringlichkeit. Obwohl wir sie nie im wirklichen Leben erleben, stellt die Existenz dieser Orte für jeden von uns ein wertvolles Feld an Möglichkeiten und Vorstellungskraft dar.“ Über die Künstlerin: Mathilde wurde in Frankreich geboren und ist eine der Gründerinnen der Werkstatt Le Houloc in Aubervilliers. Sie hat an Ausstellungen und Programmen im ganzen Land teilgenommen und ihre Arbeiten wurden in die Sammlungen des FMAC und des Fonds Estampe et Photographie der BNF aufgenommen.

Auf die Frage nach ihrer Inspiration für das Stück mit dem Titel „In The Palm of Our Hands“ sagte Madjeen: „Während der Pandemie erlebten einkommensschwache und unterversorgte Gemeinden harte Realitäten des Gesundheitssystems und sozioökonomische Rückschläge aufgrund des Verlusts von.“ Arbeitsplätze und die Not, während des Ausbruchs von Covid-19 unverzichtbare Arbeitskräfte zu sein. „In the Palm of Our Hands“ wurde von Bewohnern meiner Gemeinde inspiriert und davon, wie es aussehen würde, wenn gemeinschaftliche Heilung durch gemeinsame Gartenarbeit und Vegetation umgesetzt würde. Während sich in meiner Nachbarschaft langsam Veränderungen vollziehen, die für die langjährigen Bewohner nicht unbedingt von Bedeutung sind, habe ich mich mit der Idee der kollektiven Arbeit und der Verantwortung für den sozialen Wandel auseinandergesetzt. Es ist wichtig, sich einer Arbeit hinzugeben und sie zu schaffen, bei der Menschen wie ich das Gefühl haben, gesehen und befähigt zu werden, ebenfalls Stellung zu beziehen. Was ich mir für die Zukunft wünsche, ist, dass Einwanderer, Schwarze und junge Menschen mehr Zugang zu Grünflächen in ihrer Nachbarschaft haben oder diese einfach schaffen. Zu diesen Räumen gehören Dachgärten, Investitionen in verlassene Grundstücke, die in Gemeinschaftsgärten umgewandelt wurden, und Tage, die das ganze Jahr über für kollektive und bewusste Arbeit sowie Bildungsworkshops der Nachbarschaft für die Nachbarschaft reserviert sind.“ . Über die Künstlerin: Madjeen Isaac, ansässig in Brooklyn, NY, hat ihre Praxis in ihrer Identität als Amerikanerin der ersten Generation verwurzelt und erforscht die Beziehung zwischen städtischen und tropischen Räumen, die Gefühle von Vertrautheit und Nostalgie hervorrufen. Das Aufwachsen in einem Viertel mit überwiegend karibischen Einwanderern beeinflusst Isaacs Prozess des Gedenkens an Erinnerungen und Kulturen, die ihre Erziehung geprägt haben. Isaac erhielt ihren BFA vom Fashion Institute of Technology (2018) und macht derzeit ihren MA in Art+Edu & Community Practice an der New York University.

Auf die Frage nach ihrer Inspiration für das Stück sagte Naomi: „In der Zukunft, die ich mir wünsche, werden wir alle das Mitgefühl haben, uns ständig in die Lage eines anderen zu versetzen und dies zuzulassen, um uns in unseren Gemeinschaften und als Gesellschaften zusammenzubringen.“ Gemeinsam nachdenken, lernen, sich erholen, neu denken und letztendlich danach streben, eine Erde wieder aufzubauen, die widerstandsfähig und für alle gleich ist.“ . Über die Künstlerin: Naomi Anderson-Subryan ist eine in London ansässige Illustratorin und Künstlerin, die in verschiedenen Medien arbeitet – hauptsächlich Collage und Ton. Sie ist eine Kitsch-Enthusiastin, Liebhaberin von Farben und Sammlerin von Krimskrams. Ihre Arbeit wird oft von den Objekten inspiriert, mit denen sie sich gerne umgibt – die Art von Dingen, die wir auf ein Regal oder den Kaminsims stellen und die uns glücklich machen. Naomi erschafft gerne Charaktere und Welten, die ihr irgendwie vertraut und doch anders sind als alles andere.

Als sie nach ihrer Inspiration für das Stück gefragt wurde, sagte Diana: „Die Natur gibt uns bereits alles, was wir brauchen. Wir sollten bescheiden sein und ihre kostbaren Gaben wertschätzen, indem wir unnötigen Konsum vermeiden und sie mit unseren Gemeinschaften teilen.“ . Über die Künstlerin: Diana Ejaita ist eine Illustratorin und Textildesignerin mit Sitz in Berlin, pendelt aber auch zwischen Italien und Nigeria. Sie hat mit verschiedenen Magazinen wie der New York Times und dem New Yorker zusammengearbeitet und ist daran interessiert, Geschichten zu erzählen, die soziale und ökologische Gerechtigkeit aufklären.

Auf die Frage nach seiner Inspiration für das Stück sagte Erick: „In Zukunft würde ich es lieben, wenn Innenräume die Außenwelt stärker integrieren würden. Gemeinschaften innerhalb einer Struktur eine Möglichkeit geben, mit sich selbst, aber auch mit ihren Mitmenschen zusammen zu sein.“ Über den Künstler: Erick ist freiberuflicher Illustrator aus Puerto Rico und lebt derzeit in Vancouver, Kanada. Er macht gerne Bilder zu einem breiten Themenspektrum mit lebendigen Farben und oft surrealen Räumen.

Auf die Frage nach ihrer Inspiration für das Stück sagte Danielle: „Während der Pandemie haben viele erkannt, wie wichtig es ist, Zeit im Freien zu verbringen, um körperlich und geistig gesund zu bleiben.“ Ich hoffe, dass wir bei der Akzeptanz der neuen Normalität nicht vergessen, unsere Grünflächen weiterhin zu schätzen. Es wäre wunderbar, mehr Fußgängerzonen in Städten zu sehen, um menschenfreundlichere Räume, umweltfreundlichere Pendelwege und Outdoor-Aktivitäten zu ermöglichen. . Über die Künstlerin: Danielle ist eine freiberufliche Illustratorin/Animatorin/Herstellerin von Dingen. Sie lebt in Manchester und interessiert sich für die visuelle Wahrnehmung von Dingen um sie herum. Sie hat eine Vorliebe für die Darstellung unterschiedlicher Menschen und hat eine Leidenschaft für die Darstellung von Vielfalt.

Auf die Frage nach ihrer Inspiration für das Stück sagte Hélène: „Die Covid-19-Pandemie hat die sozioökonomischen und politischen Ungleichheiten innerhalb von Ländern und Städten weiter offengelegt und verschärft.“ Während BIPoC- und LGBTQ+-Gemeinschaften für gleiche Menschenrechte kämpfen, sollten diese Rechte auch Folgendes umfassen: das Recht auf saubere Luft und sauberes Wasser, das Recht auf Leben in sicheren, komfortablen Häusern mit einfachem Zugang zu Nahrung, Gesundheit, Bildung und Erholung, das Recht auf Grün und Schönheit, das Recht, in nicht getrennten Städten zu leben, die danach streben, allen ihren Bürgern die gleiche hohe Lebensqualität zu bieten. Die Zukunft, die ich mir wünsche, wurzelt in der Achtung allen Lebens.“ Hélène Baum ist eine französisch-deutsche Illustratorin und Grafikdesignerin, die in Berlin lebt. Ihre Kunstwerke wurden in verschiedenen Kontexten verwendet, von redaktionellen Artikeln und Kinderbüchern bis hin zu Werbung. „In der Natur gibt es keine Linien, nur gegeneinander liegende Farbflächen“ – dieses Zitat von Manet erinnert an ein Prinzip, das in Hélènes Leben und Werk stark ausgeprägt ist. Da sie aus einem vielfältigen kulturellen Umfeld stammt, zeichnet sich ihr Universum durch einen Sinn für „Collage“ und „kaleidoskopische Identität“ aus. Sie schafft lebendige Räume, in denen durch Humor, Magie und Idealismus Elemente verschiedener Kulturen in Frieden zusammenleben und Vielfalt gefeiert wird.

Auf die Frage nach seiner Inspiration für das Stück sagte Mark: „Meine Idee für die Zukunft, die dieses Kunstwerk inspiriert hat, ist, dass schwarze Menschen sich nach der Pandemie in einer offenen und sicheren Umgebung entspannen.“ Es ist ein Raum, in dem Menschen Frieden finden und miteinander interagieren. Alle ihre Bedürfnisse werden erfüllt, einschließlich Nahrung, wirtschaftliche Freiheit und Sicherheit.“ . Über den Künstler: Mark Fleuridor ist ein haitianisch-amerikanischer Künstler mit Sitz in Miami, Florida. Er arbeitet mit Medien wie digitaler Collage, Malerei und Quilten. Seine Werke sind von seiner Familie und den Menschen um ihn herum inspiriert.

Auf die Frage nach ihrer Inspiration für das Stück sagte Ngadi: „Die Zukunft, die ich mir wünsche, ist eine Zukunft, in der jeder einzelne Mensch an den anderen denkt. Aufgrund der Natur dieser Pandemie sind die Menschen in gesundheitlichen (und sozialen) Fragen drastisch gegensätzlich. In meiner Zukunft tragen alle Masken und kümmern sich umeinander, unabhängig von Herkunft oder Rasse. Umweltbewusste Menschen geben gerne anderen Menschen, die sich dafür nicht so interessieren, Anleitung, um ihr Wissen über den Erhalt der Natur und ihre Bedeutung weiterzugeben. Der Kontakt zu anderen und ein Gemeinschaftsgefühl sind die wichtigste Währung.“ . Über den Künstler: Ngadi Smart ist ein bildender Künstler aus Sierra Leone, der zwischen der Elfenbeinküste und London lebt. Sie arbeitet in den Medien Fotografie, Illustration und Collage. Die Themen ihrer illustrativen Arbeiten schwanken zwischen weiblichen und männlichen Machtdynamiken, zum Feminismus, zur weiblichen Sexualität und sind oft auch von Mode und Popkultur inspiriert. Ihr Ziel ist es, so viele Darstellungen afrikanischer Menschen wie möglich zu zeigen und die Komplexität dessen zu zeigen, was es bedeutet, Afrikaner zu sein.

Auf die Frage nach ihrer Inspiration für das Stück sagte Phathu: „Das Stück spiegelt meine Gemeinschaft wider, die Häuser, in denen sie leben, und wie wir diesen Lebensstandard verbessern und gleichzeitig die Erde heilen können.“ Ich glaube, damit wir die Zukunft haben, die wir wollen, müssen wir zu den Wurzeln zurückkehren und von vorne beginnen. Ich möchte eine Zukunft, in der die Menschen Zugang zu erneuerbarer Energie haben, weniger Kraftstoff verbrauchen und umweltfreundlichere Autos haben. Mehr lokal angebaute Lebensmittel, bei denen die Haushalte Zugang zu Nahrungsmitteln und Wasser haben. Ich möchte eine Zukunft, in der wir in junge Menschen investieren, unabhängig von ihrem Geschlecht oder ihrer Rasse.“ . Über den Künstler: Phathutshedzo Nembilwi ist ein Illustrator und Grafikdesigner, geboren und aufgewachsen in Thohoyandou, Südafrika. Sie hat Grafikdesign studiert und arbeitet als freiberufliche Illustratorin. Phathu möchte Menschen durch ihre Kunst stärken, inspirieren und erheben. Ihre Arbeit spiegelt ihr Umfeld, ihre Erfahrungen und Hoffnungen wider.

Als sie nach ihrer Inspiration für das Stück gefragt wurde, sagte Ngadi: „Mehrere Studien haben ergeben, dass Frauen Männer in praktisch jeder Art von Umweltverhalten übertreffen.“ Das Patriarchat hat große Auswirkungen auf die Umwelt. Meine Zukunft ist eine von Frauen besiedelte Umgebung, in der Baumhäuser die Norm sind und futuristische Blumen- und Pflanzenhelme für Luft und Nährstoffe sorgen. Ngadi Smart ist ein bildender Künstler aus Sierra Leone, der in der Elfenbeinküste lebt. Sie arbeitet in den Medien Fotografie und Illustration. Die Themen ihrer illustrativen Arbeiten schwanken zwischen weiblichen und männlichen Machtdynamiken, zum Feminismus, zur weiblichen Sexualität und sind oft auch von Mode und Popkultur inspiriert. Ihr Ziel ist es, so viele Darstellungen afrikanischer Menschen wie möglich zu zeigen und die Komplexität dessen zu zeigen, was es bedeutet, Afrikaner zu sein.

Auf die Frage nach ihrer Inspiration für das Stück sagte Reya: „Im Jahr 2019 sind wir plötzlich mit der Gewissheit aufgewacht, dass der Klimawandel in allen Teilen der Welt auf uns zukommen wird.“ Obwohl wir uns der globalen Erwärmung immer bewusst waren, haben wir kaum gemeinsame Anstrengungen unternommen. Das größere Bewusstsein der Welt ruhte. Obwohl ich selbst ein recht bewusster Mensch bin, war ich erschrocken, als ich eines schönen Tages aufwachte und die Nachricht las, dass Kolkata (und anderen großen Städten Indiens) bald kein Wasser mehr haben würde. Es gab kaum politische und administrative Informationen über diese plötzliche Verschlechterung. Obwohl die Zukunft düster erscheint, habe ich beschlossen, mir einen positiveren Ausgang vorzustellen. Eines, in dem unser Bestreben, die Stadt für lange, lange Zeit bewohnbar zu machen, uns dazu bringt, neue Dinge zu erfinden, radikale Veränderungen in Betracht zu ziehen und es dabei auch zu versuchen. Könnte jeder Haushalt seinen eigenen künstlichen Niederschlag haben? Könnten wir irgendwie Energie aus Abfall nutzen und Wasser produzieren? Könnten unsere leblosen Gehwege zu neuen Standorten für komplexe Bewässerungssysteme werden? Könnten unsere gelben Taxis mit sauberer Energie fahren? Die Möglichkeiten sind endlos. Reya Ahmed ist eine bildende Künstlerin aus Kalkutta, Indien. Seit 2015 kreiert sie Illustrationen, Installationen, Zines und arbeitet an mehreren unabhängigen Kunstprojekten. Im Mittelpunkt ihrer Arbeit stehen Feminismus, Architektur und eine unerschütterliche Liebe zu Katzen. Kalkutta, die Stadt, in der sie geboren wurde und in der sie lebt, taucht häufig in ihren Kunstwerken auf.

Als sie nach ihrer Inspiration für das Stück gefragt wurde, sagte Tess: Bis 2050 (oder 2030, wenn wir Glück haben) möchte ich, dass London grüner wird! Das bedeutet mehr Pflanzen, Bäume und Grünflächen. Darüber hinaus brauchen wir mehr Menschen, die mit dem Fahrrad zur Arbeit fahren oder öffentliche Verkehrsmittel nutzen, um ihren COXNUMX-Fußabdruck zu verringern. Im Idealfall wären alle Transportmittel elektrisch oder würden von einer anderen erneuerbaren Energiequelle angetrieben, so dass kein Bedarf an fossilen Brennstoffen besteht. Und hey, vielleicht könnten wir sogar elektrisch fliegende Autos haben! Tess Smith-Roberts ist eine in London ansässige Illustratorin und Grafikerin. Sie geht ihre Arbeit mit Humor, kühnen Formen und einem spielerischen Einsatz von Farben an. Tess' Praxis basiert stark auf der Druckgrafik und konzentriert sich auf die Techniken des Risographen- und Siebdrucks. Außerdem fertigt sie gerne redaktionelle Illustrationen für eine Vielzahl internationaler Kunden an.

Als sie nach ihrer Inspiration für das Stück gefragt wurde, teilte Serafine ein Zitat mit: „Ich würde nicht jeden Menschen oder jeden Teil eines Menschen kultivieren lassen, genauso wenig wie ich jeden Hektar Land kultivieren lassen würde: Ein Teil wird Ackerbau sein, aber der größte Teil.“ wird Wiese und Wald sein, die nicht nur einem unmittelbaren Nutzen dienen, sondern auch eine Form für eine ferne Zukunft vorbereiten“ – Henry David Thoreau, 1851. 🌳 Sie fügte außerdem hinzu: Das Gebäude, das ich gezeichnet habe, ist das Kongresshaus in Biel/Bienne (CH) . Derzeit befindet sich vor dem Kongresshaus ein riesiger Betonplatz ohne Pflanzen. Die freiberufliche Illustratorin und Grafikdesignerin Serafine Frey wurde 1986 in der Nähe der Schweizer Alpen in Bern geboren. Ihre lebendigen und dynamischen Illustrationen entstehen aus ihrer detaillierten und rechercheorientierten Haltung. Sie entwickelt kontextbezogene Konzepte und Illustrationen. Serafines Inspiration kommt aus der Natur, alltäglichen Absurditäten, Nostalgie, Poesie, Menschen, Filmen, Musik, Surrealismus und Minimalismus. Das illustrative „Universum“ ist riesig und seine Anwendungsmöglichkeiten zahlreich, was ihr immer wieder neue Herausforderungen, Horizonte und Möglichkeiten eröffnet.

Auf die Frage nach ihrer Inspiration für das Stück sagte Maria: In einer Welt, in der wir uns manchmal hoffnungslos fühlen, als gäbe es keinen Platz für uns oder für Freundlichkeit und Respekt, ist es wichtig, sich daran zu erinnern, dass unsere Entscheidungen wichtig sind. Dass jeder kleine Schritt, den wir unternehmen, um unsere unmittelbare Welt zu einem besseren Ort zu machen, zählt. Wir müssen die Zukunft, die wir wollen, gestalten und aktiv daran arbeiten. María Solias ist eine venezolanische Künstlerin aus Bogotá, Kolumbien, die als Kinderbuchautorin und Illustratorin arbeitet. Aufgewachsen in Lateinamerika, in unmittelbarer Nähe der Latino-Diaspora, wuchs ihr Interesse für das Konzept von Heimat und Zugehörigkeit nach der Migration enorm. Maria war ihr ganzes Leben lang fasziniert davon, wie die Welt mit den Augen von Nostalgie, Freundlichkeit und Zärtlichkeit dargestellt wird. Natürlich fühlte sie sich zu Illustrationen und Lebensausschnitten hingezogen. Das Interesse wurde während ihrer Teenagerjahre geweckt und entwickelte sich noch weiter, als sie sich kurz nach ihrem Kunststudium dazu entschloss, Venezuela zu verlassen. Maria vertiefte sich noch mehr in ihre Malpraxis, die nun Verlust, Ungerechtigkeit, Ungleichheit und Gedanken über das Land beinhaltete, an das sie sich erinnert, das aber nicht mehr existiert. Maria schätzt diese Verbindung zu ihren Wurzeln und hegt voller Hoffnung die Chance, eines Tages nach Hause zurückkehren zu können. Sie ist der Meinung, dass der Dialog zwischen ihrem Hintergrund und ihrem künstlerischen Schaffen viele Möglichkeiten und Verbindungen zu anderen Menschen eröffnet, die Diaspora erlebt haben oder sich nicht bewusst sind, wie traurig es ist, Zwangsmigranten zu sein.

Auf die Frage nach ihrer Inspiration für das Stück sagte Ojima: „Ich hoffe auf Aktionen, die in ihrem Ansatz gerecht sind und die voneinander abhängige Natur der globalen Umwelt berücksichtigen.“ Ich habe mich darauf konzentriert, mir ein fußgängerfreundlicheres Abuja vorzustellen, das sich für eine nachhaltige Entwicklung einsetzt. Ojima Abalaka ist ein Illustrator aus Abuja, Nigeria. Sie interessiert sich für Menschen, Identität und Kultur sowie für die Art und Weise, wie diese Elemente miteinander interagieren. Ihre Arbeit konzentriert sich oft auf Frauen in ihrem täglichen Leben und ist in Ruhe angesiedelt, wobei sie versucht, den Wert des Gewöhnlichen und Alltäglichen zu erforschen.

Als sie nach ihrer Inspiration für das Stück gefragt wurde, sagte Mat: Ich hoffe, dass die Menschheit eines Tages, sehr bald, so weit getrieben wird, dass wir gezwungen sein werden, die Art und Weise, wie wir Dinge tun, zu ändern. Dass wir die Erde mit Respekt behandeln und aufhören, das Ausmaß der Verschmutzung und Kontamination zuzulassen, das wir zulassen. Dass wir an unsere zukünftigen Generationen denken und unsere Verantwortung übernehmen, anstatt zuzulassen, dass wirtschaftliche Kräfte über echte humanitäre Prinzipien siegen – ganz einfach, dass wir die Erde und einander lieben und wirklich verstehen, dass wir alle eins sind. Mat ist eine autodidaktische Künstlerin, die ständig neue Wege erforscht, ihre Kreativität auszudrücken, wie zum Beispiel: Keramik, Graphic Novels, Wandarbeiten und Textildesign. In den letzten Jahren hat sich ihre Arbeit in Richtung Spiritualität verlagert, die eine große Rolle in ihrem Leben spielt. Mat verbringt ihre Zeit zwischen Kopenhagen und Santiago de Chile.

Auf die Frage nach ihrem Stück sagte Martina: Manchmal genügt eine kleine Anpassung Ihrer Routine oder Ihres Musters, und die Änderung, die Sie vornehmen, kann sich enorm auf Ihren COXNUMX-Fußabdruck auswirken. Zum Beispiel die Nutzung öffentlicher Verkehrsmittel oder des Fahrrads oder eine gemeinsame Autofahrt. Kleine Dinge können große Wirkung haben! Martina kommt ursprünglich aus der Slowakei, wo sie Politik studierte, zog dann nach London, um Design zu studieren, und lebt und arbeitet jetzt in Berlin. Sie arbeitet hauptsächlich digital und mag es, ihre Bilder mit schlaksigen Charakteren zu archivieren, die in abgeflachten Umgebungen angesiedelt sind und sich mit alltäglichen Aktivitäten beschäftigen.

Auf die Frage nach ihrer Inspiration für das Stück sagte Hélène: „Wir müssen uns um unseren Planeten kümmern, um seine Langlebigkeit zu gewährleisten, aber auch um seine unendlichen Schätze zu bewahren.“ Wir müssen uns um uns Menschen kümmern, um ein gesünderes und reicheres Leben zu führen. Ich hoffe, dass Städte und ihre Industrien und Dienstleistungen ihre Arbeitsweise überdenken und neu gestalten. Das Ziel besteht nicht nur darin, giftige Emissionen zu stoppen und die Erschöpfung natürlicher Ressourcen zu stoppen, sondern auch der Umwelt und den Gemeinden etwas zurückzugeben. Ich hoffe auf eine Revolution in den Praktiken, die von einem Wandel in den Denkweisen ausgehen wird.“ Hélène ist eine französische und deutsche Illustratorin mit Sitz in Berlin, die seit ihrer Kindheit in vielen Städten gelebt und gearbeitet hat, darunter München, London, Sète, Lyon und Amsterdam. Im Grunde geht es bei Hélènes Arbeit um Identität, die Akzeptanz des Multikulturalismus und die Sichtbarkeit farbiger Menschen. Ihre Illustrationen wurden hauptsächlich in der Redaktions- und Verlagswelt für Kunden wie The Lily, Tate und Penguin Random House verwendet.

Als sie nach ihrer Inspiration für das Stück gefragt wurde, sagte Lizzie: Ich möchte, dass meine Zukunft WILD aussieht! Ich hoffe, dass sich alle für die Natur engagieren, und dass sie unser tägliches Leben umgibt, so dass sie Gemeinschaften, Arbeitsplätzen, Familien und der Tierwelt selbst zugute kommt. Bei der Diskussion darüber, wie wir den COXNUMX-Ausstoß reduzieren und Ökosysteme schützen können, kommt der Wiederaufbau immer häufiger zur Sprache. Meine kleine Szene zeigt eine Stadt, die überwiegend aus Menschen und Natur besteht, die harmonisch Seite an Seite leben. Lizzie ist eine Illustratorin, die in London lebt und arbeitet und ursprünglich aus dem Südwesten Englands in der Nähe von Stonehenge stammt. Ihre Lieblingsthemen sind Nachhaltigkeit, Umwelt und Tiere.

Als er nach seiner Inspiration für das Stück gefragt wurde, sagte Kimi: „In Zukunft möchte ich näher an der Natur leben.“ Ich hoffe, mit meinen Füßen im Boden leben zu können, auch wenn ich in der Stadt lebe. Echter Boden, kein Beton. Und ich denke, wir sollten lokale und saisonale Lebensmittel essen, die auf dem Boden in der Nähe der Stadt, in der wir leben, angebaut werden. Kurz gesagt, die Zukunft, die ich mir wünsche, folgt den Naturgesetzen. Das würde der Klimakrise definitiv helfen. Kimi ist die Illustratorin des Teams „KIMI AND 12“, das in Südkorea ansässig ist und unter dem Motto „Plant-based life“ arbeitet. Kimi malt normalerweise, arbeitet mit anderen Projekten zusammen oder macht Bilderbücher.

Von Giulia: Ich möchte, dass es in Zukunft Zeit und Raum zum Beobachten, Studieren und Experimentieren gibt. Der Mensch baut seinen eigenen natürlichen Zustand auf und hilft dabei, ihn zu erfinden. Am Beispiel der Forschung von Stefano Mancuso und Barbara Mazzolai möchte ich die Bedeutung der wissenschaftlichen Offenlegung hervorheben. Ihr Projekt begann mit der Betrachtung und Untersuchung von Pflanzen als Quelle der Bioinspiration für neuartige Betätigungs- und Bodensondierungsstrategien. Sind Sie bereit, von Pflanzen zu lernen? Giulia Corascello wurde 1989 in Cuneo geboren. Sie studierte Architektur und Illustration in Italien, Portugal und Spanien. Giulia lebt derzeit in Rom, wo sie in der Bildungsabteilung des Kindermuseums arbeitet.

Als sie nach ihrer Inspiration für das Stück gefragt wurde, sagte sie: „Meine Stadt der Zukunft ist voller Menschen, denen die Umwelt am Herzen liegt.“ Es ist eine Kultur, bewusste Ernährung, bewusste Bewegungen, Menschen, die ihre Intelligenz zum Wohle des Planeten einsetzen. Die Zukunft, die ich mir wünsche, ist grüner, ich hoffe wirklich, dass sie grüner ist. Über den Künstler: Ich arbeite um Mitternacht wie Aschenputtels Mäuse, fast immer, wenn alle schlafen und mir etwas einfällt. Ich bin die Königin der schlechten Tage, aber an manchen Tagen habe ich schöne Tage, „niemand liebt mich“, denke ich die ganze Zeit, und dieser Satz ertönt in meinem Kopf mit dem Soundtrack von Aschenputtel, als ihre Stiefschwestern ihr Kleid zerstören. Vielleicht ist es etwas, vielleicht ist es nichts. Ich glaube, dass ich aus Versehen ein UFO aufgenommen habe oder dass es vielleicht nur die Widerspiegelung meiner Einsamkeit am Himmel ist.

Auf die Frage nach seiner Inspiration für das Stück sagte Enzo: „Wir alle müssen anfangen, die Erde als unser gemeinsames Mutterschiff zu sehen, das uns durch den Weltraum transportiert, und entsprechend handeln, indem wir autarker werden und unsere Ernährung auf eine pflanzliche, fleischfreie Ernährung umstellen.“ . (Und vielleicht sogar mit ein oder zwei Insekten als Protein!) Enzo Pérès-Labourdette ist ein preisgekrönter Illustrator mit Sitz in Amsterdam. Enzo hat einen französischen Vater und eine britische Mutter und ist in den Niederlanden aufgewachsen. Er stellt sich normalerweise als Europäer vor und nicht als eine bestimmte Nationalität. Um für sein neuestes Bilderbuch über den Klimawandel zu recherchieren, ging Enzo als Feldassistent zu einem Biologen auf die arktische Insel Spitzbergen, wo er mit eigenen Augen miterlebte, wie schnell der Klimawandel unseren Planeten verändert.

Als sie nach ihrer Inspiration für das Stück gefragt wurde, sagte Egene: „Ich sah einen Jungen in einem windigen Park.“ Er spielte mit einer Flugscheibe und einem großen abgebrochenen Ast in den Händen. Er war begeistert vom „Bläserspiel“ und schuf unvergesslich schöne Szenen. Es ist erst fünf Jahre her, aber jetzt haben sich die Szenen in meiner Stadt verändert. Ich beginne jeden Tag damit, eine App zu öffnen, um die Informationen zur Luftqualität zu überprüfen. Ohne ein Luftreinigungsgerät können wir unser Leben nicht aufrechterhalten. Kindern ist es im Winter und Frühling fast verboten, sich ohne Staubfiltermaske im Freien aufzuhalten. Mir wurde klar, dass die frische, strömende Luft trotz ihres Verlusts das ist, was ich seit jeher am meisten liebe. Ich stelle mir eine Szene vor, in der Kinder und Vögel ohne Angst gemeinsam den klaren Wind genießen. Diese gewöhnliche Freude ist bereits zu dem geworden, was ich mir für die Zukunft dort, wo ich lebe, wünsche. Egene Koo ist ein Maler und Illustrator mit Sitz in Seoul, Südkorea. Sie erforscht visuelle Motive von Tieren, Pflanzen und einigen alten Geschichten aus der Kindheit und bringt sie in ihren aktuellen Geisteszustand. Grundsätzlich war sie neugieriger auf die Innenwelt, aber die Luftverschmutzung in ihrer Stadt ließ sie mehr über die Außenwelt nachdenken. Sie nahm an vielen Ausstellungen, Kunstmessen und Gemeinschaftsprojekten teil. Sie ist eine Wind- und Vogelliebhaberin.

Auf die Frage nach ihrer Inspiration für das Stück sagte Charlotte: „Ich möchte, dass die Menschen sich eine ganz andere Zukunft vorstellen können und nicht denken, dass drastische Veränderungen unmöglich sind.“ Beispielsweise werden die meisten Londoner Straßen zu Fußgängerzonen oder nur für öffentliche Verkehrsmittel gemacht, wodurch die Luft sauberer wird und sich die Menschen leichter fortbewegen können. Außerdem werden öffentliche Parks gepflegt, anstatt das Land für neue Bauarbeiten zu übergeben. Veränderungen, die spannend sind und das Potenzial haben, unser Leben glücklicher und gesünder zu machen. Aber am wichtigsten sind Veränderungen, die für die Erhaltung des Lebens auf diesem Planeten unerlässlich sind. Ich kann mir keine größere Hoffnung vorstellen. Charlotte Ager ist eine freiberufliche Illustratorin mit Sitz in London und stammt ursprünglich von der Isle of Wight. Ihre Arbeit erforscht oft die Poesie der Alltagserfahrung und versucht, den Schwerpunkt auf ruhigere Momente zu legen. Sie fühlt sich zu unserer Beziehung zur Natur hingezogen – da sie am Meer aufgewachsen ist, interessierte sie sich schon immer für deren Macht über uns, was sich oft in ihren Arbeiten widerspiegelt.

Auf die Frage nach ihrer Inspiration für das Stück sagten Nuria und Raquel: „Was die reale Situation angeht, ist Handeln erforderlich.“ Setzen Sie sich und denken Sie nach. Wachsam sein. Sei vorsichtig. Verantwortung übernehmen. Du bist ein Teil des Kosmos. Nehmen wir uns einen Moment Zeit, um im Bewusstsein der Natur tief einzuatmen und die saubere und reine Luft zu genießen. Schützen Sie den Planeten, schützen Sie sich selbst. Cachetejack sind Nuria Bellver und Raquel Fanjul, ein spanisches freiberufliches Illustrationsduo mit einem nomadischen Lebensstil. Ihr Illustrationsuniversum ist voller Farben, Energie, Humor und Ironie. Die handgezeichneten Arbeiten von Cachetejack haben einen frischen und einzigartigen Stil und arbeiten in einer Vielzahl von Medien, darunter – aber nicht beschränkt auf – Bücher, Zeitschriften, Zeitungen, Kleidung, Zeichnung, Malerei, Wände und Illustration. Cachetejack kombiniert Realität mit einer skurrilen Sichtweise, um dem Betrachter Situationen und Umgebungen näher zu bringen.

Auf die Frage nach ihrer Inspiration für das Stück sagte Beau: „Als jemand, der schon immer in Städten gelebt hat, sind mir Grünflächen wichtig. Ich habe in Grünflächen schon immer ein Gefühl von Geborgenheit und Sicherheit gespürt, besonders wenn ich in Städten lebe, wo sie nicht direkt vor der Haustür liegen. Obwohl ich das Stadtleben liebe, halte ich die Nähe zu Parks, Gärten und dem natürlichen Leben für äußerst wichtig für mein geistiges Wohlbefinden. Ich habe vor, noch viele weitere Jahre in London zu verbringen, und ich hoffe, dass meine Stadt diesen Gebieten Priorität einräumt, damit Kinder, Jugendliche, Erwachsene und ältere Menschen als eine Gemeinschaft in Grünflächen zusammenkommen können. #TheFutureWeWant ist voller Grünflächen, willkommen für alle.“ Normalerweise stickt Beau magische Dinge und folkloristische Inhalte oder erstellt Illustrationen, die sich mit den Themen psychische Gesundheit und Queerness befassen.

Als sie nach ihrer Inspiration für das Stück gefragt wurde, sagte Alyssa: Wo ich derzeit wohne, gibt es kaum Bibliotheken oder sie sind für die Mehrheit der Bevölkerung nicht ganz zugänglich. Ich betrachte Bibliotheken als Zufluchtsorte, in denen Menschen sich entfalten und lernen können. Die Zukunft, die ich mir wünsche, ist eine, in der öffentliche Bibliotheken genauso verbreitet sind wie Convenience-Stores; wie kleine Wissensoasen, verteilt über die städtische Zersiedelung. Ich habe eine „Spendenbibliothek“ illustriert, die Menschen nährt und wiederum von den Menschen, denen sie hilft, wieder genährt wird. Ich würde in diesen Bibliotheken auch gerne einige Katzen einsetzen, um die Bücher vor Ratten zu schützen! Babs ist ein freiberuflicher Illustrator aus Manila, Philippinen, mit Sitz in Quezon City. Sie hat 4 Katzen namens Maz, Hana, Ponyo und Rocket.

Die Zukunft ist gerechtfertigt, genau genommen. Deshalb, ohne es zu sagen, als wir das Ende machten, machten wir es in meinem Meisten, und es ging darum, wie wir unsere Umgebung und die Umgebungen, die wir teilen, in Häusern, in Häusern, in Häusern, in Häusern, in Häusern, in Häusern, in Häusern, in Häusern, in Häusern, in Häusern, in Häusern, in Häusern, in Häusern, in Häusern, in Häusern, in Städten usw. teilen em nós. Então a igualdade nos equallibra. . Pois apesar de unsere Unterschiede, somos todos um, porque somos todos humanos. Igualdade in allen Aspekten, sozialen, ethnischen, allgemeinen und anderen Dingen, die notwendig sind. Da wir uns darauf verlassen haben, dass wir alle völlig fertig sind und die Art und Weise, in der wir uns befinden, ein echtes Verständnis für uns hat, müssen wir wissen, dass wir sie hören und bewahren müssen. . Linoca Souza und Aline Bispo, Illustratorin und Visual Artistin, geboren und am Leben in der Stadt São Paulo, in Brasilien. Bacharela em Artes Visuais pelo Centro Universitário Belas Artes, também studou Design de Interiores e Comunicação Visual. Seine ersten Arbeiten begannen 2009 mit Graffittis und Interventionen in den Straßen von São Paulo, 2012, wo sie Illustrationen und Gemälde produzierten, nachdem sie Fragen zu politischen, allgemeinen und sozialen Themen gestellt hatten, die sie in ihren Büros bearbeiten wollten e Workshops.

Als sie nach ihrer Inspiration für das Stück gefragt wurde, sagte Charlot: „Ich bin immer durch die Straßen von Dublin geschlendert und habe mir vorgestellt, wie es verbessert werden könnte. Es ist eine sehr graue Stadt, die wirklich ein paar grüne Plätze gebrauchen könnte, und in den letzten Jahren haben wir“ Ich habe viele Marktplätze verloren, daher war es mir wichtig, dies in meinen Beitrag einzubeziehen. Charlot ist halb dänischer, halb simbabwischer Illustrator und lebt derzeit in Dublin, Irland. Sie schloss 2015 ihr Illustrationsstudium an der MDX University in London ab und verfolgt derzeit eine berufliche Laufbahn in ihrem Studienbereich. Mit ihrer Arbeit möchte Charlot das Bewusstsein für Themen schärfen, die ihr wichtig sind, wie etwa die Darstellung farbiger Menschen und die Umwelt. Der Schwerpunkt ihrer Arbeit liegt auf Comics, Editorials und Buchcovern.